王辰辉
郑州财经学院 河南省郑州市 458000
摘要:水彩画作为一种色彩靓丽、表现技法丰富、便携度较高的画种，深受风景绘画者的喜爱，在高等艺术院校外出风景写生的课程中，许多学校鼓励学生采用水彩这一材质进行创作。便携性强是水彩画在风景写生教学上的优势，它既可以独立成画，也可以作为油画写生的前期草稿进行实验性练习。同时，水彩颜料的通透性和晕染效果，让这一材质在描绘风景题材中有其特有的视觉冲击力，是其他画种难以达到的。
关键词：水彩；风景写生；教学技法
水彩非常适合描绘风景，是画家进行户外写生的常用材料。风景画讲究“淡化造型，强调色彩”与水彩强调利用接色、晕染过渡颜色，利用材料的透明度提高色彩的层次感的特质，确实可以达到景和画的统一。但是，水彩也具有“塑形”力弱、水量不宜掌握、室外作画水份干燥过快、画幅尺寸受限、不易修改等一些“弊端”。让本来就不宜掌握的水彩画在室外写生时更增加了难度。但是如果克服以上困难，一旦熟练掌握水彩的特性，就能画出一幅色彩丰富、层次分明的水彩画，倘若再次尝试诸如油画、水粉之类的材料，就会发现，水彩功底对掌握其他画种的帮助有多么重要，这是每一位水彩画者都能深客体会到的。
水彩重在用水、侧重水色结合。如今的绘画色彩教学往往有个误区，过于强调色彩理论在绘画中的作用。这与我们高校美术基础课课程设置有关，在风景写生的前期课程中，往往通过“色彩构成”这一课程，已经给学生导入了一套完整的科学色彩体系，以至于学生在风景写生课程练习中，被色彩理论所束缚。色彩构成作为一个专业基础课，是让学生理性认知和运用色彩而不可替代的一门课程，但这种色彩的运用多是在理论层面上的，很多理论在水彩风景写生上就不再“奏效”了。这是因为水在水彩画中充当媒介剂，起到了至关重要的作用，色彩构成课程中是没有提到无色透明的水也会对颜料的明度、纯度、透明度有影响的。用水多，水彩的透明度就越高，底层颜色对上层颜色的影响就越大，色彩的调和不仅发生在调色板上，也会在画面中产生。比如，在天空的描绘中，许多学生会因为天空时而有暖色而加入黄色，时而又有冷色而加入蓝色，从而使自己画面中的天空呈现出糟糕的绿色。出现这一情况的原因是色彩的调和全部发生在调色板的混合和画面的混合当中。利用水彩加水会提高色彩透明度这一特性，使冷、暖色分层设色的方法，让一种颜色在另一种颜色完全干透之后再施色，很容易解决天空变成绿色这一糟糕的情况，用这种“分层设色”的方法可以将那些我们认为“水火不容”的对比色调和放在一起也不会感到突兀。水，在分层施色上起到了决定作用。
水彩画的色彩过渡，水也扮演着重要角色，同类色之间的明度变化可以推荐学生采用“积水法”来实现，不同色相之间的衔接，可以采用我称之为“湿底接色”和“干底接色”的方法。积水法其实是利用了水彩颜料颗粒不完全溶于水的特性，将一块颜色初次铺色时，在你希望明度更深的地方适当多一些用水，这样水多的地方就会缓慢干燥，不完全溶于水的颜料会流向这里，待完全变干后，就会形成多水的地方比少水的地方色彩明度更深的效果，且这种过度效果非常自然。但是实施积水法的难点是对水量多少的把握，重点是通过水分多少的控制来控制蒸发的速度，水分过快蒸发会形成水渍；过慢会影响作画时间，从而达不到预期的画面效果。“湿底接色”和“干底接色”是水彩技巧中常讲的“干画法”和“湿画法”在局部画面的应用。“湿底接色”是要在铺色之前用水将纸张局部打湿，在潮湿的纸张上，将不同的颜色并置，通过纸张纤维的水分传导，让颜色自然的融合。
“干底接色”是将一种含水分的颜色在未完全变干之前，用另一中含水的颜色对其进行接色，通过水的流动让颜色自然过渡，这种过度的柔和与否，取决于随着水分不断蒸发而接色时机的把握。
在水彩画中使用白色要十分谨慎，如非必要不使用白色，那么留白就显得十分重要，水彩画通过留白能体现光感，优秀的水彩风景画对留白非常讲究。在风景写生中，光线对环境的影响是微妙的，光和色是相辅相成的，没有光就没有色彩，色彩又是表现光感的载体。在水彩风景写生中，有意识的进行留白会给画面营造出光感和透气感。这种留白我将其概括为有“意识留白”和“非意识留白”两种，所谓“意识留白”是在作画初期就对画面进行统筹布局，有意识的将需要留白的地方提前预留出来，可以使用留白液或胶带进行遮盖的方法，也可以通过笔触的回避来留白。“非意识留白”是在施色的过程中因为笔触走向的交织而产生的白色缝隙，这些缝隙让画面产生斑驳的痕迹，在大面积铺色中，在不影响画面基调的前提下，而保留这些痕迹可以增强画面的趣味感和透气感。无论是哪一种留白都是水彩风景画的点睛之笔，与其说这种留白是一种“留空”不如讲这是一种更高级的“妙有”。初画水彩风景的学生比较在意这些留白的存在，总是想尽办法避免产生或者填补它们，实则这种行为是对画面效果最大的破坏。
避免过分控制和过度刻画，做到“见好就收”。水彩风景绘画在教学上要强调培养学生快速捕捉画面构成和色彩的能力。水彩画不同于油画，水彩画讲究一气呵成，尤其是风景写生更要有敏锐的捕捉能力，做到稳、准、快。过分的控制造型和过度的迷恋细节往往会让画面陷入越画越糟糕的境地，尤其是在刻画阶段，每一笔都要有概括性，切忌“慢工出细活”，有机的控制画面，对于画面决定性的要素，要在作画之初就给予明确和肯定，对于不起决定性作用或是在你情感之外的事物要大胆的“抛弃”。在水彩风景写生教学中，要特别提醒那些习惯于在画室作画且能画出丰富细节作品的学生，指导他们刻画不只是为了丰富细节，更是为了协调画面的平衡关系。那些在画室刻画能力较强的学生，往往身处室外就显得束手无策，因为室外的作画环境没有了安静刻画细节的条件，他们只能靠把握整体画面而进行创作，稍有不，适就无法像在室内作画那样通过丰富细节去弥补视觉的不和谐。这正是水彩风景写生与在画室作画的不同，也是它的魅力所在。
对同一景物不同时段的重复写生，可以有效提升对水彩颜色的掌控。水彩风景写生作为一门课程，让学生创作出优秀的绘画作品确实很有必要，但是掌握和整理一套属于自己的观察和作画方法更是为学生今后的艺术发展埋下更多的种子。往往有些学生在对一处景物进行写生后，如若作品不理想，就会另寻他景，很少会总结经验。如果仅从画出好作品的角度来说，选择适合自己创作的景色这当然无可厚非，但是从技艺学习的角度来讲就一定要搞清楚失败的原因，并且总结经验。塞尚痴迷于对同一景物在不同时间段的反复写生，而寻求光和色彩之间微妙的关系和变化，我们也可以模仿塞尚的这种执着对同一景物进行反复多次的写生练习。这种练习会强迫自己在每一次重复中，寻找之前未发现的东西，每次都会有新的收获，是初次接触水彩风景写生解决诸多问题的好办法。
在水彩风景写生中，不同的人有不同的观察习惯，水彩画包含了丰富的技法，不同的人针对风景写生所采用的方法也各异，以上几种重难点的分析多是比较基础的绘画技法，在实际教学过程中，应该在让学生在打好基础的前提下，尽可能的发掘新的观察方法和绘画技巧。尽量让学生将眼前所看和心中所想，通过具有个性的风格化处理，转化成画面上的视觉效果。研究和使用不同的绘画材料是为了更好的服务于作品的创作，这些材料要为人所有、为心所用，为今后的艺术创作埋下更多的可能性，是艺术教育工作者的使命和责任。
参考文件：
中国文联出版社《查理雷德的水彩技法》 【美】查理雷德