董雨晴
淮南师范学院，安徽淮南 232000
摘要：音乐表现力是将我们内心音乐感受通过钢琴的弹奏显现出来。可是对于我们中国的学生往往注意狭义的技术，华丽的速度，却忽视了培养音乐表现力，或者是把它放在了次要的地位上。实际上技术、技巧只是学习钢琴的根本前提之一，只有技术技巧与音乐相统一,才能完整准确的理解和表达钢琴作品。并且我们要提高自己的文化艺术修养，深层次的去理解音乐。
关键词：听觉 音乐表现力 艺术修养
Abstract: Music expressive force is our inner music appeared through playing the piano. But for our Chinese students tend to pay attention to the special technology, the speed, but neglected the cultivation of music expression, or put it in the secondary position. Technology, skill is actually one of the fundamental premise of learning the piano, only the technical skill and music unifies, to complete and accurate understanding and expression of piano works. And we want to improve their own cultural artistic accomplishment, deep understanding of music..
Key Words: Auditory Expression ability in music Artistic accomplishment
引 言
音乐表现力是钢琴演奏的灵魂，教师应该把提高音乐表现力作为重要目标之一，提高学生对音乐作品的表现形式和感情内涵。如何提高音乐表现力？需要具备以下三点：一，要有良好的钢琴演奏技术与技巧。技术是具备良好演奏能力的基础，技术达到了一定的程度，才能表现作品的音乐形象。二，对音乐有感知能力和理解能力，要把自己所领悟的音乐情感通过钢琴演奏表达出来。三，要有丰富的文化知识，要理解作品所创作的背景，因为每个时代背景所表达的音乐风格不一样，要理解其中所蕴藏的深层次含义，这样才能更好地理解作品，演奏的作品才能打动人心。四，要培养学生良好的心理素质，这样才能在演奏中提高音乐的表现力。
一、良好的演奏技巧是提高音乐表现力的前提
对于钢琴教学工作者，在学生最初的学习阶段要培养学生有正确的演奏基础，即要有正确的触键方式，一切的表现力都要基于技术之上，这样才能演奏出丰富的音乐色彩。
1、正确的触键与音色的变化
正确的触键技术是合理运用手指的支撑，手臂与手腕的放松，触键的方式等，都是为弹好音色提供保障。要注意的是在钢琴弹奏的过程中整个手臂一定要放松，不能僵硬，手指的触键点要集中，这样才能发出好的，质量高的声音。整个人的身体要处于放松状态，这样才能弹奏出有质量的声音，可是现如今好多的中国学生都不能做到这一点。另外钢琴不同于其他乐器，手指触键的快慢、触键的方式、以及力度的控制力，都会使钢琴发出不同的声响。钢琴家通过演奏的技能，和通过聆听音色的变化，会令他们的作品中的旋律、和声、节奏、力度产生鲜明的对比。
例如对于巴洛克时期和古典时期的作品，比较注重声音的清晰和颗粒型的声音。尤其对于快板乐章，最好采用使用指尖的前半部分去演奏。因为指尖和键盘呈现于垂直的角度，并且下键速度快，可以呈现出较为清晰的声音。但是对于慢板乐章和要表达曲目的歌唱性时，下键的速度尽可能的慢一点，较快的下键速度容易导致钢琴呈现出尖锐的声音，如果放慢下键速度并用于指腹触键，则演奏的音乐就会有更强的歌唱性。尤其对于莫扎特的作品而言，我们要多注意下键的方式，因为他的作品中贯穿了大量的优美旋律。然而对于浪漫主义时期的作品，声音既要优美深沉，又要华丽辉煌，对于演奏的方式也是极其的复杂，因此要多运用缓慢触键的方式，尽量增加手指触键的面积，用手指去歌唱，久而久之学生控制音色的能力则越来越强。
2、节奏与节拍
节拍是表示音乐的强弱，例如2/4拍表示强、弱，3/4表示强、弱、弱。而节奏是音乐的脉搏，也是音乐的灵魂，一首作品是根据它的节奏韵律、不同的速度来表现它的风格，例如欢快的情绪一般都以较快的速度来表现，悲伤的情绪以较慢的速度来表现。因此在教学中要培养学生敏锐的感觉，使学生演奏的作品更具有节奏韵律，准确的表达作品的风格。还有在古典作品的演奏中节奏非常的严谨，而浪漫时期作品的节奏相比之下比较自由，因此我们要根据不同时期、不同特点的作品，加深对音乐节奏的理解，这样才能够准确的演奏作品，让学生在钢琴演奏中随着音乐而律动。
3、调性、和声与旋律
我们在读谱时，教师应该培养学生对调性的概念，不只是注意节奏音符时值的准确性，要让学生能够分清大调与小调的区别和表达的不同的音乐感觉，养成读谱之前先看调号再演奏的习惯。
另外还要注意谱面中所隐藏的旋律线条，在弹奏的过程中用内心听觉感受旋律线条的走向，我们常说弹奏钢琴要像歌唱那样委婉动听，因此恰当的呼吸会使旋律更加具有歌唱性。同时还要正确的处理旋律和伴奏织体之间的关系，要注意主次关系，烘托出所要突出的主题。而这些一切都基于适当的触键方式，才能弹出歌唱性、旋律性的曲子，因此要与弹奏颗粒性较强的曲子有所区别，手指基本上是贴着琴键移动，重心从一个手指自然的移动到另外一个手指，特别要注意身体各个部位的放松。
还要注重和声的变化，例如在古典时期贝多芬的奏鸣曲中很多的和声以分解和弦和柱式和弦的形式出现，拥有丰富的和声色彩变化，在练习的过程中我们可以将分解和弦弹成柱式和弦，不要机械化的练习，要着重的听和声的调性、色彩以及和声的旋律线条，这样弹奏的音乐才具有音乐表现力。
4、 踏板的正确使用
踏板的使用对演奏的效果有着至关重要的作用。
（1）在踏板的使用过程中要注意以下事项：一方面不要将踏板踩的太深，以免造成严重的泛音。并且要正确的与不用踏板的部分做好衔接。另外一方面，不要将踏板踩太长，如果长时间没有换踏板，则会造成呈现的音乐杂乱无章。要根据曲目的和声、旋律线条、句子之间的连接等正确的使用踏板。若选择了不恰当的和声使用踏板，会出现声音的不和谐，因此在踏板的使用之前对作品要进行和声分析和大致的走向，让学生可以更加精确的使用踏板。
（2）不同时期的作品踏板的用法则不同。例如在巴洛克时期中，钢琴并没有踏板的装置，例如巴赫的作品以复调为主，复调音乐对各个声部的旋律线条有着严格的要求，从而对演奏者也有很高的要求。但巴赫的作品主要针对于古钢琴，因为古钢琴的琴弦震动比我们现代钢琴踩踏板还要长，于是是否采用踏板有很大的分歧。因此老师应该指导学生对不同的作品做出不同的分析。而古典主义时期的作品对踏板的使用则更加灵活，但是对于莫扎特的作品应该多运用手指的触键去完成作品。
但是每个演奏者对于不同的曲目对于踏板的运用都有着自己的想法，因此也没有规律而言，对于踏板的正确使用可以增加乐句的连贯性，使音响效果更加饱满，各声部更加清晰，旋律线条更加完美。可以在很大程度上帮助演奏者更好的完成作品，并且更加准确的表达作品的内容。
5、认真的研究乐谱
教导学生认真读谱是教学任务中不可忽视的一部分，读谱不是只读出音高和节奏，谱面上的表情记号也是极其重要的，还有对曲目风格的正确把握。然而一些学生在练习的过程中只是机械的弹出音符，往往忽视了乐曲想要表达的内容。作曲家在每一个音符、休止符和表情记号都是富有深刻的含义，而我们要做的就是把这些谱面上的东西用音乐去演奏出来，变成有生命、有内涵的乐章。
然而有些学生不能准确的去掌握每个音的时值，在演奏过程中忽快忽慢，这样就不能准确的表达作曲家所赋予这首作品的情感，如果能够对每个音的时值都给予足够的重视，那么所演奏的音乐则更加富有感染力。
二、音乐感知力与理解力的重要性
音乐的感知力与理解力取决了你对作品的理解，它与音乐表现力有着密切的联系。
1、用“耳”感知音乐
钢琴演奏中，各种力度色彩的变化都需要耳朵去倾听，弹奏中产生的音响效果都需要耳朵去辨别，脑中有所思考，这样我们的双手所演奏的作品中才能富有音乐性。所要想有良好的弹奏就必须有良好的听觉，教师要在课堂中训练学生的听觉敏锐力，提高学生对音乐的想象力，分辨力和审美能力。学生具备了高度敏锐的听觉才可以有良好的演奏。如果缺乏对音乐的敏感性，那么学生就很难学好演奏这门艺术。
音乐鉴赏是提高学生音乐表现力的必经之路，老师也应该让学生多听一些钢琴曲、交响曲和歌剧，逐步培养学生对音乐语言、形象、音色的感知，让他们用耳朵去倾听每首曲子表达的喜怒哀乐，使他们在这个过程中接受音乐的熏陶。例如学生在演奏贝多芬的奏鸣曲前，可以让他们集中去听贝多芬的不同作品，通过聆听让学生对贝多芬的风格有所了解。老师也可以让学生在听后谈一下自己的感受，大胆的进行评论。这些都是提高音乐表现力的有效方法。
2、用“心”了解音乐
我们要用“心”作品诠释出来，而这必定是以内心的感受为基础，所以在钢琴的教学中要培养学生的内心歌唱，才能更好的推动作品的演奏。我们还要在练习的过程中用‘心’不断地思考，有的学生只是通过手指反复的练习，他们满足于现有的技术，却没有去认真思考，缺乏了音乐的表现力，则不能打动听众。齐格勒认为许多富有才华的演奏家学习钢琴演奏的秘诀绝对不是只靠手指的技巧练习，而是借“以心聆听”，从而自己弹出声音。特别是对于中国的学生，每天只是手指进行机械化的练习，没有经过大脑的反复思考，我们应该经过反复的思考去解决演奏中所出现的问题。一方面，教师还应该培养他们的音乐想象能力，使他们脑海进行画面的构思和色彩的变化，这样他们的演奏更加的富有音乐表现力。另一方面，教师要去正确的引导学生，例如让学生去感受曲目中旋律线条的变化，强弱的对比，乐句之间的连接，段落色彩的变化等等，引导学生如何把这些运用在演奏中。学生在练琴的过程中，反复的琢磨并且可以将这些细致的做出来，这样才能够提高学生的音乐感知力。
3、培养歌唱性
众所周知，歌唱可以最直接的表达情感，人声演唱和弦乐器在歌唱性中处于优势的地位，但是钢琴属于键盘乐器，因此演奏者想通过钢琴把弹奏出富有歌唱性的旋律是一件比较困难的事情，需要不懈的努力。很多学生把富有旋律性、歌唱性的作品弹奏成没有任何感情并且非常的呆板，可以说如果他们内心没有歌唱的感觉，那么他们也不可能弹奏出富有歌唱性的旋律。因此在教学过程中，培养学生内心的歌唱性是不可或缺的一部分。在初学阶段，可以让他们去选择一些他们喜欢的曲目先有感情的唱出来，歌唱要有丰富的感情，流畅的线条，合理的呼吸和气息，并带着这种感情在演奏中体现出来。
三、加强文化艺术修养
加强文化修养必须要熟悉各类的钢琴作品，了解音乐史知识以及其他文化。
1、加强文化修养
纵观古代的各个钢琴演奏家，他们从小就收到文化艺术教育，并且从小就受到了浓郁的音乐文化的熏陶，具有深厚的文化艺术修养。对于文化不足的演奏者，对作品的阐释和理解则受到了一定的局限性。 每个作品都处于不同的时代和环境，所以他们所表现的风格和特点也就大不一样。学生再刚接触自己所演奏的作品时，就应该知道其中的作曲家以及创作背景，这样才能深层次的去阐释作品，揭示内涵。作为钢琴演奏者，在学习音乐的同时还需要学习大量的文化课程，只有拥有充分的音乐知识和文化知识才能准确的掌握和理解作品所蕴含的内容，才能提高音乐的表现力。 要想提高自己的文化修养就必须接受文化的熏陶。因此在钢琴的教学中，要让学生汲取丰富的文化知识，汲取丰富的艺术营养，才能使钢琴的演奏更富有深刻的内涵和内容。
学生们既要了解中国古典文化，也要了解外国文化，这必定涉及到古今中外的文学、戏剧、绘画，这样自己的钢琴之路才能够走的长远。总而言之，音乐和其他艺术是密切相连的，我们必须要从其他的艺术土壤中汲取营养。
2、广涉其他音乐门类
作为钢琴演奏者，不应该把目光放在钢琴演奏这一块，还应该多去了解其他音乐门类，因为音乐是相通的。学生应该多去听听各种音乐会，比如大提琴、小提琴等其他乐器的独奏，室内乐的演奏和交响乐，通过这种方式可以让学生更加深入的去理解音乐，并且被音乐所赋予各种各样的魅力所吸引。
四、培养学生良好的演奏心理素质
钢琴是一门艺术，除了技能和修养等各个能力素质外，关键是要弹给别人听，有些人一旦上台就会造成内心的紧张，从而影响正常的发挥。因此培养学生良好的心理素质是非常必要的。
1、学生进行汇报演出
钢琴演奏是一门演奏艺术，因此具有良好的心理素质是演奏成功的必要条件。现如今有许多学生在台下可以完整的演奏出作品，可是一上台就造成了心理的紧张，特别是对于性格内向、较为胆小的学生，在这样的情况下会影响学生在演奏过程中对音乐的表达。因此可以经常举行小型的演奏让学生互相观摩，多增加学生的演奏机会，并且多鼓励学生，让学生发现自己的不足并不断的改进。这样可以培养学生良好的心理素质，缓解在演奏的过程中内心的紧张。还要注意培养学生在演奏过程中要有清晰的思维和冷静的头脑，在演奏中既要保持兴奋，又要从容不迫，使学生能够全身心投入到钢琴的演奏中。并且在汇报演奏结束后不仅教师要进行总结，学生之间应该也要互相点评，指出各自的缺点和优点。
2、增加艺术实践
在我国，一般是大学时才开展钢琴教学实习，但是从低年级开展这种活动也是很有必要的，由学生扮演老师的角色，因为很多学生过于依赖自己的老师，不能够独立的去思考，如果由他们去备课，去教学生，可以调动他们的积极性并且积极主动的去思考。这不仅能够使教学更加的有效，还可以为他们以后的就业打下良好的基础。可是对于国外的学校，他们会积极的开展艺术实践，他们有独奏、协奏、双钢以及室内乐各种形式的音乐会，使学生不断的积累舞台经验。而国内对于室内乐的学习太少了，在这个方面我们应该的积极的向他们学习。让学生过多的去接触室内乐可以让学生深入的知道音乐是什么样一种灵活性的语言，每次都可以学到新的知识，并且经过不断的演奏来提高学生的心理素质。
结 语
音乐表达能力的需要从接触钢琴就开始培养，需要我们在练习过程中不断地提高内心的听觉。具体说来，音乐表达能力主要体现在有熟悉的演奏技巧，有对音乐的感知和对音乐的想象，还有要拥有丰富的文化知识，这些内容都是教师任重道远且不可忽视的任务。
参考文献：
1、[苏]涅高兹著，论钢琴表演艺术，[M]人民音乐出版社，2002。
2、赵晓生.钢琴演奏之道，[M]世界图书出版出版公司，1999年。
3、《钢琴教学论》樊禾心著，上海音乐出版社。