苗超渊
西昌民族幼儿师范高等专科学校
四川省凉山州615000
摘要:音乐的歌唱性，是指人在歌唱时体会到的那种美感和心态。歌唱性的触键要求更多的运用手臂的力量，使演奏获得宽厚圆润的声音。还有就是用柔软的手指肉垫部位束代替指尖触键，形成一种受力的缓冲。而真正有了感觉，才能演奏出音乐的歌唱性来。 歌唱可以表达人类的各种情绪、需要和灵感，歌唱的气息最悠长而细致，歌唱的韵律最连贯而自如。各种乐器表演要以最富有表现力的人声为最终追求目标，以创造最能感染人的艺术境界。歌唱性，就是人们在唱歌的同时体会到的那种美感、情感、情调、心态，当我们用歌唱的这种内在感觉来弹钢琴，又能把这感觉通过手指转变为相应的琴声时，并运用合理的技术手段和艺术手段实现人的嗓音所达不到的复杂的、多样的歌唱性。
关键词:钢琴演奏 歌唱性 乐句 审美
所谓歌唱性指的是表演者在进行歌唱或者演奏时， 以特有的表演方式以及魅力， 让演奏者以及观众深刻地感受到演奏作品中所包含的乐感、感情以及情绪。在进行钢琴演奏过程中，表演者采用内心歌唱的感觉来进行演艺，把音乐旋律用手指来进行表达，可以把作品进行完美地演艺及表达。
匈牙利的著名钢琴家柯达伊说 :“不先歌唱就开始学乐器的学生, 一生中注定没有音乐。”可见, 在钢琴教学中, 歌唱性的训练是多么的重要。 所谓歌唱性是指演奏者在演奏过程中所保持心灵歌唱的状态与激情。 然而, 学生在钢琴作品的演奏中, 快速的旋律跑动似乎很容易忽略演奏的歌唱性。
钢琴演奏歌唱性是通过不同的音乐符号来进行提示， 在这个歌唱性思维中包含了许多的音乐提示符，比如：节拍、节奏、表情、连音、跳音、延续音等内容。其中为了达到更流畅地演奏，最多采用的是连奏和柔声两种方式。意思就是要以流畅的演奏表达出如歌般的优美。要达到这样的要求，就需要演奏者像歌唱一样把乐曲弹奏得抑扬顿挫， 非常完美地表达出钢琴作品中的每一个乐句。通过这样的表达形式，让整首乐曲更加具有统一性和完整性， 让听众在欣赏时有一种赏心悦目的感觉与舒畅的心理享受。
当我们拿一首新的音乐作品在进行练习弹奏时， 要先对整首乐曲进行仔细的了解， 通过对乐曲的了解才能清楚的知道作品的整体概念。 我们在演奏过程中， 要充分地理解作者在作曲时的构思， 一定不要出现只是对精彩部分进行处理， 要做到整首作品的精致处理， 从而才能保证其乐曲的完整性， 才能把这首乐曲的艺术生命进行完美地演艺。 作曲家在创作每一首钢琴乐曲时，都会有一个创作规划，我们应该仔细地研究其作品的规划，了解作者要在乐曲中所表达出来的情感、风格以及意图，只有完全理解了这些内容， 我们才能以作者的立场来进行完美的演艺。 当前我们所接触到的许多钢琴作品，都是具有不同区域、不同风格、不同时代的作品，因此我们需要针对这些不同的音乐元素进行具体的分析， 才能更好地把握住演奏时所采用的指触、踏板、速度、力度等演奏方法， 这些内容都与歌唱性有着非常重要的关联。
把握住音乐作品的演奏节奏我们在演奏过程中， 速度的把握与歌唱性也有着非常密切的联系。 比如：缓慢的节奏能表达出优美，欢快的节奏能表达出活泼， 在演艺进行曲时节奏一定要与步伐一致。 我们在进行演奏时没有把握好演奏的节奏， 是不可能完美地表达出音乐的风格与情感。 例如：我们在演奏《绣金匾》作品时，如果演奏节奏为快板形式，那么会让整首乐曲显得有点匆忙， 与作曲家的意境有较大的出入， 我们如果采用行板方式来进行演奏， 那么就可以把民歌的亲切表现出来, 同时也遵循了作者的心境。
在进行演奏过程中，还有一个速度处理会影响到演奏的歌唱性， 这就是自由速度。 在学习与演奏时， 我们会发现许多的作品中曲目为了能表现出一个音乐情境， 会让演奏者进行自由的展示， 这些部分通常都会出现在乐曲中的中段或者高潮部分，而且会标注自由速度演奏。这可以说是演奏者对乐曲的二次创作， 这就需要演奏者对整首乐曲进行了充分地理解， 才能通过手指把音乐形象进行完美的表现， 这个过程需要经过我们不断地练习才能达到更好的效果。
虽然钢琴的机械性决定了其本身无法如人生一般发出连贯而带有歌唱性的声音。但钢琴的声音可以在我们的情感和演奏技术影响下显现不同的音色和表现力。黑格尔在《美学》一书中说，“音乐是理性的感性体现”。这就是告诉我们：在理性地进行音乐作品演奏的同时，还要用自己的审美与内心去感受和表现音乐作品带来的情景，与内容。所以，钢琴演奏者只有做到内心有旋律，内心有画面。才能对钢琴作品的演奏音色做到有设计有想法，并运用技法把作品演奏得鲜活起来。因此，钢琴演奏者对声乐演唱的学习是获得“歌唱性思维”的捷径。 声乐作品与钢琴作品相比，前者由于有歌词语言，所以更应让听众脑海里产生画面感，钢琴演奏者如果能够通过练习声乐作品，学习体会其中的特点，也一定可以对应地增强在钢琴演奏中的音乐形象思维能力和画面感觉，让演奏中的乐曲包含的抽象音乐变得具体起来。
在学习钢琴演奏时， 几乎所有的老师都会告诉我们 “踏板是钢琴的灵魂”。通过这样的一句话充分说明了踏板的运用技巧是演奏歌唱性的重点。我们只有通过正确地使用踏板技巧，才能保证演奏时旋律歌唱性的完美表达。我们都清楚右踏板能够持续低音、旋律音得到准确的时值， 让整个演奏乐曲的音乐更加的丰富多彩， 可以让乐曲的声部表现得层次分明， 让和声更加立体清晰。 合理地运用好踏板技巧， 可以让旋律中的每一个音符都具有生命力， 同时还可以随着和声的变化而改变。 我们在进行练习或者演奏时，要认真体会踏板的运用，根据乐曲的需要以灵活细致的方式来进行更换踏板， 这样才能让整首乐曲中所需要表达的风格以及情绪的发展表现出来，更加准确地表达出音乐的主题，让钢琴演奏过程中音乐旋律歌唱性达到一个更高的境界。
内心歌唱与情感表达在钢琴歌唱性演奏中有重要的作用，许多钢琴作品都是作曲家由心而发(特别是浪漫派作曲家)，表达他们内心丰富的思想感情。因此，情感表达是灵魂。演奏者如果内心没有表现的欲望，歌唱性就无从谈起。而且，如果没有内心的歌唱，乐句中自然的起伏和乐句的呼吸也不可能表现出来，当然更谈不上意境的表现了。要把内心的感受、感情通过柔韧的手指在琴键上唱出来，实际上是心在歌唱。声音只是传达感情的媒介，嗓子、乐器演奏只有发自内心才能唱或弹出优美如歌的声音来。没有感情，声音再纯净再华丽也是无生命的，苍白无力的。
内心的歌唱性的培养，在钢琴教学中，可以尝试着要学生离开钢琴，高唱他所弹奏的旋律。即使一个初学学生，针对他正在练习的每一首乐曲，都要采取这种方法。同时还能借助这种方法将他个人的特质展现于音乐中。教师可先把乐句的表达清晰地用笔写出来，哪里要唱得大声，哪里要唱得柔和，并把所有的强弱以及渐强、渐弱、还有表情记号都作明确要求。学生按老师的指导练习，他很快便能从学习的障碍中解脱出来，并反映在他所弹奏的曲子里。通过这个方式，他领略了乐句中自然的起伏和呼吸，再将这种感觉传送到他的双手，弹奏的音乐马上就有了歌唱的表现力。要强调学生在演奏时，内心始终保持这些感觉，让学生逐渐养成弹奏的内心歌唱习惯。
所以，一名优秀的钢琴演奏者， 要通过不断练习与学习才能够更好地表现出钢琴演奏歌唱性， 通过对乐曲内涵的深刻理解， 把握住乐曲中每一个音符的情感以及意境， 才能把乐曲中的震憾力表现出来， 从演奏者内心中去歌唱，有效地提高钢琴演奏歌唱性。